Granit, gespalten ist ein typisches Beispiel für das Werk des Bildhauers Ulrich Rückriem. Bei ihm im Vordergrund stehen die Wirkung des Materials und der sichtbar bleibende Arbeitsprozess: das Spalten, Schneiden, Schleifen und Polieren, das Wieder-Zusammensetzen, mitunter auch das Weglassen von Teilen des Steins, wobei es „jede Menge Variationsmöglichkeiten“ gebe (Interview U.R., Café Deutschland). Für die 1984 in Frankfurt aufgestellte Skulptur ließ der Bildhauer in einem Steinbruch einen Granitblock teilen und dann die fünf Blöcke am Schaumainkai vor dem Städelmuseum zu einer zehn Meter hohen Stele übereinander setzen. Spuren des Werkprozesses blieben stehen: Reste von Bohrlöchern und Schnitten.
Ein weiterer wichtiger Aspekt von Rückriems Skulpturen ist die jeweilige Platzierung der Arbeit. Es besteht ein Bezug zum Ort der Aufstellung – hier indem die vertikal ausgerichtete Skulptur in einen Dialog mit der Hochhaus-Skyline auf der gegenüberliegenden Mainseite tritt. „Ich will die Balance von Material und Arbeitsprozess, Form, Maß und Ort", formulierte der Bildhauer im Katalog zur documenta 8 (1987).

A propos „Ort der Aufstellung“ – hier am Main verläuft auch das Museumsufer mit einer Vielzahl von Museen und dazugehörigen Cafés. Immer wieder reizvoll etwa das charmante Café im Liebieghaus, wo man zwischen Pflanzen und Skulpturen im Garten sitzen kann, oder auch das gehobene Angebot im Restaurant Emma Metzler, das sich im Museum für Angewandte Kunst befindet. Auch schön: einfach ans Mainufer setzen und die gegenüberliegende Skyline betrachten, während man einen Snack aus einem der Ufercafés oder Imbissschiffe genießt.
 

Text: Christine Taxer, 2021

Seit 2019 „wächst“ die Skulptur zwei ineinander verschränkter Bäume auf dem Vorplatz des Jüdischen Museums: Der eine hält mit seinen Ästen den anderen, der seine Wurzeln in Richtung Himmel streckt. Laut Ariel Schlesinger soll der tragende Baum immer lebendig sein, der entwurzelte hingegen tot: Er werde nie wieder grünen, Früchte tragen und Vögel in seinen Zweigen beherbergen, trage allerdings die Vergangenheit in sich – Last und Ansporn zugleich für den lebendigen Baum. Gemeinsam bilden die beiden Bäume eine Einheit und stellen ein Gleichgewicht her aus Leben und Zerstörung, Zukunft und Erbe.
Die Skulptur bezieht sich auf die religiösen Überlieferungen der Juden, in denen unter anderem die Analogie von Mensch und Baum eine zentrale Rolle spielt. Aber auch die jüdische Geschichte und Kultur in Frankfurt haben das Werk inspiriert. Installiert vor den beiden Bauten des Museums, dem historischen Rothschild-Palais und dem modernen Verbindungsbau, erinnert es an den produktiven Austausch im 19. Jahrhundert: an die Verdienste der Rothschilds für die Stadt wie auch an den Gerechtigkeitssinn der Stadt und die Initiativen, zwischen jüdischen und nicht-jüdischen Bürger*innen Einheit zu stiften.

Ein erster Abstecher von der Tour kann ins Jüdische Museum führen. Die im Rothschild-Palais gezeigte Dauerausstellung gilt der jüdischen Geschichte und Kultur in Frankfurt, einem der wichtigsten Zentren jüdischen Lebens in Europa. Hier wird der Zeitraum von der Aufklärung bis heute abgedeckt, während das Museum Judengasse der Frühen Neuzeit gewidmet ist.
Der neue Lichtbau ist als öffentlicher Ort konzipiert. Er kann kostenfrei betreten werden und ist mit freiem W-LAN ausgestattet. Neben einer Bibliothek befindet sich hier auch das Flowdeli. Das koschere Museumscafé vereint Elemente aus der osteuropäischen, orientalischen und israelischen Küche und ist an die regionale und lokale Kulinarik angepasst. Alle Speisen und Getränke werden auch zur Mitnahme angeboten.

Text: Christine Taxer 2021

Als das historische Goethe-Denkmal 2007 auf seinen ursprünglichen Standort, den Goethepatz, zurückkehrte, stellte man den modernen Olymp von Weimar an seiner Stelle auf. Ein adäquater Ersatz, gilt doch ein ganzer Werkkomplex Andreu Alfaros dieser, wie er selbst sagt, „wichtigsten und einflussreichsten Figur in der Kultur seiner wie auch unserer Zeit“ (so Andreu Alfaro in: El Tiempo, Valencia, Feb. 17, 1997: „la figura de Goethe ha estat una de les més importants i influents dins la cultura del seu temps i del nostre“). Alfaros Hommage umfasst über 100 Skulpturen sowie Zeichnungen und Lithographien, die zwischen 1980 und 1990 entstanden. Der Olymp von Weimar ist mit seinen acht Metern Höhe die größte Skulptur aus dieser Reihe. Mit ihr wollte der spanische Künstler ein abstraktes Porträt von Goethes Persönlichkeit schaffen.
Die Skulptur besteht aus Edelstahlrohren, die teils gebogen sind und teils eine Fächerform bilden; im Zentrum ein Rhombus, der als Kernfigur auch in anderen Werken Alfaros vorkommt. Aber was hat das mit Goethe zu tun? Visualisiert die Fächerform eine Art Zentrifugalkraft, mit der Goethe einflussreiche Persönlichkeiten seiner Zeit in seinem Umfeld band und die – Alfaros Sicht auf Goethe weiterführend – Europäer*innen noch heute zu integrieren vermag? Sicher ist, das sich beim Umschreiten der Figur immer wieder neue Form-Konstellationen entdecken lassen.

Text: Christine Taxer 2021

Auch in Frankfurt entschieden sich viele jüdische Familien unter dem Druck der nationalsozialistischen Verfolgung für den Gang ins Exil. Doch nahmen die meisten Länder nur eine begrenzte Zahl von Geflüchteten auf, und die Hürden zur Einreise waren hoch. 1938 bot sich den verzweifelten Menschen die Möglichkeit, zumindest ihre Kinder in Sicherheit zu bringen. Die Kindertransporte brachten etwa 20.000 Kinder ins sichere Ausland, zum Großteil nach Großbritannien. Der Frankfurter Hauptbahnhof war ein wichtiger Ausgangspunkt dieser Fahrten.
The Orphan Carousel / Das Waisen-Karussell thematisiert die Leerstelle, die nach der hoffnungsvollen wie auch schmerzlichen Abreise dieser Kinder zurückblieb. Das Denkmal ist einem Holzkarussell im alten Stil nachempfunden, das in Variationen noch heute auf Kinderspielplätzen zu finden ist. Es ist als Karussell nutzbar, allerdings nur mit Mühe zu drehen.
In die Seitenwände sind drei Sätze eingraviert: "Auf bald, mein Kind", "Auf Wiedersehen, Mutter", "Auf Wiedersehen, Vater" – Worte des Abschieds also, die voller Freude auf ein Wiedersehen sind. Die Eltern trösteten ihre Kinder – und auch sich selbst – mit der Annahme, dass die Trennung nur für kurze Zeit sein werde. Doch war es häufig ein Abschied für immer, da die meisten Zurückgebliebenen in den Vernichtungslagern der Nationalsozialist*innen ermordet wurden.
Das Denkmal ist den Kindern und ihren Familien gewidmet, die 1938/39 voneinander getrennt wurden. Doch es lässt auch an die vielen Kinder und Jugendlichen von heute denken, die ihre Familien in der vom Krieg gezeichneten Heimat zurücklassen müssen.
Die Errichtung eines Denkmals für die Kindertransporte wurde von „Kindertransport-Kindern“ initiiert. Der Entwurf von Yael Bartana konnte sich in einem von der Stadt Frankfurt ausgelobten Wettbewerb durchsetzen, das Denkmal wurde im September 2021 errichtet.

Die Stadt Frankfurt dankt allen, die das Projekt ideell und finanziell unterstützt haben: dem Ortsbeirat 1 und privaten Spender*innen, außerdem maßgeblich der Cronstett- und Hynspergischen evangelischen Stiftung zu Frankfurt am Main, der Dr. Marschner Stiftung, der EKHN Stiftung, der Ernst Max von Grunelius-Stiftung, der Hessischen Kulturstiftung, der Nassauischen Sparkasse und der Stiftung Polytechnische Gesellschaft Frankfurt am Main.

Text: Kulturamt, 2021

Vom 2. September 2021 bis zum 15. Mai 2022 fand die Ausstellung des Deutschen Exilarchivs 1933–1945: "Kinderemigration aus Frankfurt" in der Deutschen Nationalbibliothek statt.
https://www.dnb.de/imagefilm-kinderemigration

Weitere Informationen zu den Kindertransporten:
http://www.juedisches-leben-frankfurt.de/de/home/kindertransporte.html
https://www.frankfurt1933-1945.de/nc/beitraege/show/1/thematik/auswanderung-und-zuzug-von-ausserhalb/artikel/kinderauswanderung-und-kindertransporte/suche/Kindertransporte/

Open Cubes ist ein klassisches Beispiel für die amerikanische Minimal Art und wurde von einem ihrer bekanntesten Vertreter geschaffen. Es besteht aus sieben identische weiße Würfel, die offen sind und nebeneinander aufgereiht stehen. Ihre kühle und geometrische Ästhetik fügt sich der umliegenden Hochhauskulisse ein. Verborgene Stützen lassen den Eindruck entstehen, als schwebe das gewaltige, industriell gefertigte Konstrukt über der Erde. Durch das Vor- und Zurückspringen der Würfel kommt Dynamik ins Spiel.
Aus nächster Nähe ist Open Cubes nur teilweise visuell erfassbar. Das fordert zum Umschreiten und Erkunden auf, wobei immer wieder neue Ansichten entstehen. Mal vermittelt das Werk einen übersichtlich-geometrischen Eindruck, mal wirkt es zufällig und unkontrollierbar, so wie die Stadt selbst.

Text: Christine Taxer 2021

Ihr fröhliches Blau leuchtet durchs Geäst der Büsche und Bäume – schon von Weitem macht die Skulptur von Franz West auf sich aufmerksam: diese Schleife von etwa sechs Metern Höhe aus der Werkgruppe der Passstücke, eine von diesen „an Gedärme und Ausscheidungen erinnernden Würsten und Windungen“ (so Almuth Spiegler in: Die Presse, 22.2.2013). Hat man sich ihr genähert, lädt sie zum Anfassen, Durchgucken und Draufsetzen ein. Das ist erlaubt, sogar ausdrücklich erwünscht: Denn erst, wenn die Betrachtenden es nicht mehr bloß betrachten, sondern an ihm teilhaben, ist dieses Kunstwerk vollendet; so das Konzept seines Erschaffers.
Die Blaue Skulptur ist eine der letzten Arbeiten von Franz West. „Das permanente Hinterfragen der eigenen Rolle, eine ständige Neukombination seiner eigenen Werke und Selbstironie gehören zu seinen unverkennbaren Markenzeichen“, so Klaus Görner über den Künstler. Görner war einer der Kuratoren der Ausstellung Wo ist mein Achter?, die seine Werke 2013 im Frankfurter Museum für Moderne Kunst MMK zeigte. Heute steht die Blaue Skulptur vor dem TOWER MMK, einer Dependance des MMK im TaunusTower. 2014 eröffnet, sind hier Wechselausstellungen zu sehen, die künstlerische Arbeiten aus den Beständen, Neuerwerbungen wie auch eigens entstandene Produktionen versammeln und aktuelle Fragestellungen aufgreifen.

Als Abstecher von der Tour bietet sich ein Besuch des TOWER MMK an. Alternativ kann eine Pause im Museumscafé eingelegt werden – was eine naheliegende Erweiterung auch der Tour ist: Da sich die Caféterrasse direkt neben der Blauen Skulptur befindet, kann man von hier prima beobachten, wie andere das Werk besetzen und bespielen... Und rechts hinter der Heldenklage wartet bereits die nächste Station, Open Cubes von Sol LeWitt.

Text: Christine Taxer 2021

Mit seiner architektonischen Plastik wirft der Bildhauer Eduardo Chillida einige Fragen auf. Denn sie ist weit entfernt von den üblichen Denkmälern großer Dichter und Denker: Beton statt Bronze, abstrakte Formen und geometrische Strukturen anstelle von figürlicher Darstellung und Repräsentation. Allerdings knüpft das Werk an einem ganz anderen Punkt als die Denkmaltradition an: Es gehört in eine Werkgruppe Chillidas, die Hommagen auf bekannte Künstler, Wissenschaftler und Philosophen enthält.
Mit Ein Haus für Goethe verschafft Chillida dem Publikum auf eigenem Wege Zugang zu Goethe und seinen Werken. Er formte einen Raum, der vorne offen und daher begehbar ist. Auch kommt dieses Haus ohne Dach aus. Vielleicht dachte der Künstler an Goethes Leidenschaft für „Licht“ und dessen Eigenschaften. Er soll gesagt haben: „Das Haus eines Mannes wie Goethe könnte nicht überdacht werden: Das Licht, das er suchte, wäre unter einem Dach verborgen.“
Ein Haus für Goethe ist eines von drei Denkmälern, die für Dichter in der Taunusanlage aufgestellt wurden. Einen kurzen Vergleich mit dem Schiller-Denkmal und dem Heine-Denkmal finden Sie im Text zum zuerst genannten Objekt.

Text: Eva Burger 2015 und Christine Taxer 2021

Neben dem Pfennig-Denkmal, zwischen zwei Zugängen zur S-Bahn-Station Taunusanlage, steht seit Mai 2021 eine dicke Säule aus Stahl. Beim neugierigen Erkunden stößt man auf eine Tür, die rund um die Uhr geöffnet ist. Wer sie durchschreitet, steht auf einem Gitter, das die darunter liegende Kanalisation überbrückt. Schön dann die Aussicht nach oben: Die mit rosafarbenem Onyx verkleidete Wand führt den Blick auf ein Rund Himmel zu.
Wozu das Ganze? Zunächst mag manch einer*eine an einen Lüftungsschacht denken. Der Künstler Cyprien Gaillard allerdings stellt die Nutzung des Raumes frei. „Tag und Nacht für alle geöffnet, schließt sich der Schacht je nach Bedarf. Inmitten des öffentlichen Raums entsteht ein Ort der Intimität.“ So heißt es in einem Informationsblatt des Museum für Moderne Kunst MMK, das die Skulptur für die Frankfurter Positionen 2021 in Auftrag gegeben hat: für ein interdisziplinäres Festival also, an dem mehrere Kulturinstitutionen mit eigens produzierten Performances, Theaterstücken und Kunstwerken beteiligt sind und das Fragen nach gesellschaftlichem Wandel und zu den Veränderungen in der Lebenswelt stellt.
Wer sich den Raum aufmerksam anschaut, entdeckt freilich Hinweise auf eine bestimmte Art von „Bedarf“, auf eine menschliche „Bedürftigkeit“: An der Innenwand, kurz über dem Boden, wurde eine Spülung angebracht, und das Gitter über dem Edelstahlboden erinnert an die Einrichtung öffentlicher Toiletten im Herkunftsland des Künstlers, Frankreich. Diese Deutung wiederum bringt die Situation vor Ort in den Sinn: das Fehlen öffentlicher Toiletten in einer Umgebung, in der sich Angestellte der umliegenden Banken, Obdachlose und Drogenabhängige gleichermaßen tummeln.
Im Frankfurter Schacht liegen Poesie und Realität, himmlische Verklärung und irdische Unzulänglichkeit eng beieinander: einerseits der vom Edelstein gerahmte Blick in den hohen Himmel, andererseits die Bindung allen Lebens an Bedingtheiten wie etwa auch die „Notdurft“.
 

Text: Christine Taxer, 2021

Kern des Pfennig-Denkmals ist eine quadratische Bronzetafel mit einer Seitenlänge von 9,8 Zentimetern. In der Mitte befindet sich eine pfenniggroße Vertiefung, die bei einer jährlich stattfindenden Zeremonie mit Spiritus befüllt wird. Die anschließend entzündete Flamme ruft den Pfennig in Erinnerung, der 2002 – zeitgleich zur Entstehung des Denkmals – von Euro und Cent abgelöst wurde. Entsprechend lautet der umlaufende Schriftzug, der auch die Stifter*innen nennt: DENKMAL DER GESELLSCHAFT ZUR VERWERTUNG UND ERHALTUNG DER PFENNIGIDEE. In die umgebenden Pflastersteine wurden 24 Pfennige eingeklebt und versiegelt.
Von besonderer Relevanz ist der Aufstellungsort: auf einem kleinen Platz vis à vis der Deutschen Bank AG in der Taunusanlage 12, abseits vom stark frequentierten Weg durch die Wallanlagen. Im direkten Gegenüber zu den hoch aufragenden Bankentürmen, in denen Kapital verwaltet und vermehrt wird, erhält das kleinste Denkmal der Stadt seine akute Aussagekraft. Indem es hier auf den Pfennig verweist – auf die mit rund 1200 Jahren älteste deutsche Münze, die im Zeitalter der Mark auch die kleinste Münze war –, sind die Geschichte und die Werte der „kleinen Leute“ in die Erinnerung eingeschlossen. Es geht also um einen umfassenden Respekt vor dem Phänomen Geld, wobei die Achtung des kleinen Geldes als die Grundlage des großen Systems zu betrachten ist.
Das Frankfurter Pfennig-Denkmal gilt als Zentrum einer weltweiten Installation (mehr dazu unter www.euro-pan.com).
 

Text: Christine Taxer, 2021

1983 erschuf der Schweizer Bildhauer Max Bill im Auftrag der Deutschen Bank die 4,50 Meter hohe Skulptur. Es handelt sich um einen Monolith, d.h. Kontinuität wurde aus einem einzigen Stein gemeißelt. Mit einem Gewicht von 80 Tonnen ist sie eine der schwersten Granitskulpturen der Welt.
In dem Werk spiegelt sich Bills langjähriges Interesse für Mathematik und seine Beschäftigung mit mathematisch-geometrischen Grundlagen wider. Auf Basis einer mathematischen Denkweise entwickelt, versinnbildlicht es das mathematische Phänomen des „Möbiusbandes“: Kontinuität ist in Form einer Endlosschleife gehalten.
Nachdem die Skulptur lange Zeit den Vorplatz der Doppeltürme der Deutschen Bank zierte, befindet sie sich seit 2011 in der Taunusanlage neben der Deutschen Bank.

Text: Nicola Netzer 2015

Pendel – laut Wikipedia sind das Körper, die an einem Punkt außerhalb ihres Massenmittelpunktes drehbar gelagert sind und um ihre eigene Ruheposition schwingen können: Dinge also, für die Bewegung typisch ist. Um an eine aus dem eigenen Leben bekannte Erfahrung anzuknüpfen, denke man etwa an die Wanduhr der Großeltern, deren stetiges Ticken ihr Weiterlaufen verrät, an die Schiffsschaukel in einem Vergnügungspark oder auch an das Foucaultsche Pendel, das die Erdrotation sichtbar macht.
Grundlegend ist die Vorstellung von Bewegung auch für die Skulptur von Claus Bury, Pendulum. Auf einem getreppten Rahmenbau ruhen zwei Streben: Etwas gekrümmt, sind sie gegenläufig aneinander gelegt; und diese Struktur ist leicht geneigt. So entsteht die Figur eines Pendels, das seine Ruheposition verlassen hat und in Schwingung geraten ist. Das Material, Aluminium, stellt eine Verbindung zum Gebäude der DEGI (Deutsche Gesellschaft für Immobilienfonds mbH) her, die die 1997 aufgestellte Skulptur auch gestiftet hat.
„Bewegung“ prägt allerdings nicht nur das Thema der Skulptur. Bewegen sich die Betrachtenden, umlaufen und durchschreiten sie die 21 Meter hohe Konstruktion, lässt sich diese unterschiedlich erleben: Von dem einen Standpunkt aus wirkt sie massig, von einem anderen aus filigran; sie schließt und öffnet sich, mal lässt sie sich wie ein Tor durchschreiten.
Indem Burys Skulpturen auch körperlich erfahrbare Raumkonstruktionen sind, haben sie eine architektonische Dimension – deshalb spricht man bei seinen Werken auch von „architektonischen Skulpturen“. Auch in anderen Werken des Künstlers sind Bezüge auf traditionsreiche Themen der Architektur und der Physik prägend, darunter die Fibonacci-Folge oder der Goldene Schnitt. Ein Beispiel hierfür ist die Skulptur Im goldenen Schnitt, die auf dem Baseler Platz anzufinden ist.
 

Text: Christine Taxer, 2021

Die vom Künstlerpaar Coosje van Bruggen (1942–2009) und Claes Oldenburg (*1929) gefertigte Skulptur wurde 1994 vor der DZ Bank aufgestellt. Unverkennbar steht sie in der Tradition der Pop Art, zu deren bedeutendsten Vertretern Oldenburg zählt. Nachgebildet sind eine Krawatte und ein Hemdkragen – eine Anspielung auf den hier geltenden Dresscode: An diesem Ort, inmitten des Frankfurter Bankenviertels, sind diese Kleidungsstücke üblich und können also als Dinge des täglichen Lebens bezeichnet werden. Ein Windstoß scheint die Krawatte durch die Luft flattern zu lassen – die Umgebung nochmals aufgreifend, kann man hierin ein der Bankenwelt entsprechendes Bild für Aufwind und Dynamik sehen. Ein solcher Bezug auf die Situation vor Ort ist bei den Arbeiten des Künstlerpaars üblich.
Wie bei weiteren Gemeinschaftsarbeiten kommen auch hier Elemente der Verfremdung hinzu. So nimmt die Krawatte mit einer Höhe von fast 12 Metern riesenhafte Dimensionen an. Es findet eine Auseinandersetzung mit Proportionen und Verhältnismäßigkeiten statt, mittels der Monumentalisierung wird die Ästhetik von Alltagsgegenständen hinterfragt.
Außerdem wurde das Motiv umgedreht, sodass die Krawatte nicht vom Kragen herabhängt, sondern aus ihm emporwächst. Was könnte eine solche Verkehrung in der Bankenwelt bedeuten?

Text: Christine Taxer, 2021

Der Hammering Man von Jonathan Borofsky gilt seit seiner Aufstellung 1991 als ein Wahrzeichen Frankfurts. Es handelt sich um eine menschliche Figur, die unablässig, mittels eines Motors, einen Hammer gegen ein Werkstück schlägt. Der Künstler bezeichnet die Skulptur als ein „symbol for the worker in all of us“. Die Bewegung des Hammers – „from the mind to the hand and back again“ – verbindet für ihn Verstand und Hände, Gedankenwelt und Handeln: „We all use our minds and our hands to create our world. I like to say that between the mind and the hand, there is the heart.“
Von Anfang an plante der Künstler mehrere Versionen, die an unterschiedlichen Orten und in verschiedenen Kontexten installiert werden sollten. Ausgaben gibt es zum Beispiel in San Diego (seit 1988, vorm Museum of Contemporary Art), in Basel (seit 1989, vorm Hauptsitz der UBS) und in Seoul (seit 2002; mit 22 Metern handelt es sich um die größte Figur). Die Frankfurter Skulptur steht vor dem Messeturm und zählt mit 21 Metern zu den höchsten Exemplaren der Serie. Also ein gleichzeitiges Hämmern rund um die Welt: „sort of a worldwide installation connecting us all together“.
Eine weitere Verbindung quer durch die Kontinente und auch Zeiten bietet der Auftraggeber von Borofskys Skulptur. So ist Jerry Speyer nicht nur Mitbegründer des New Yorker Immobilienunternehmens, das den Messeturm gebaut hat, sondern auch Nachfahre der ungeheuer erfolgreichen Bankiersfamilie Speyer, deren Wurzeln bis ins Frankfurt des 17. Jahrhunderts zurückgehen.

Übrigens gibt es noch eine Version des Hammermanns in Frankfurt: Sie steht seit 1995 auf dem Bockenheimer Hülya-Platz, wo sie nun – per Hand betriebener Kurbel – auf ein Hakenkreuz einschlägt. Ein antirassistisches Denkmal also – entsprechend seinem Ort, der an die neunjährige Hülya Genc erinnert, die bei einem rassistisch motivierten Anschlag 1993 in Solingen starb.
 

Text: Christine Taxer, 2021

Am Rande des heutigen Campus Westend der Frankfurter Goethe-Universität steht ein Pavillon, das ehemalige Pförtnerhäuschen, in dem seit 2008 das Wollheim-Memorial untergebracht ist. Norbert Wollheim (1913–1998) war zeitlebens sozial engagiert und auch an der Organisation der Kindertransporte nach England 1938/39 beteiligt. 1943 wurde er nach Auschwitz deportiert. Hier wurde er ins KZ Buna/Monowitz geschickt: in das firmeneigene Konzentrationslager der Interessengemeinschaft Farbenindustrie AG; die hier untergebrachten Häftlinge, zumeist Juden, mussten auf dem Werksgelände der I.G. Auschwitz Zwangsarbeit leisten. Einer der weltweit größten Chemie- und Rüstungskonzerne, hatte sich die I.G. Farben ab 1933 der nationalsozialistischen Politik im In- und Ausland rasch angepasst und gestaltete diese aktiv mit. Entsprechend wurden im Nürnberger Prozess gegen den Konzern 1947/48 führende Mitarbeiter angeklagt. Auf der Gegenseite stehend, war Wollheim mit Aussagen an verschiedenen Prozessen beteiligt, schließlich verklagte er die I.G. Farben auf Entschädigung für entgangenen Arbeitslohn und Schadensersatz. Dieser Prozess führte zur ersten Entschädigungszahlung eines deutschen Unternehmens an ehemalige Zwangsarbeiter.

Insbesondere vor diesem historischen Hintergrund ist die von Heiner Blum konzipierte Holocaust-Gedenkstätte Wollheim-Memorial an einem bedeutungsvollen Ort untergebracht: am ehemaligen Hauptsitz der I.G. Farben. Über dem Eingang ist die Häftlingsnummer Wollheims angebracht, an der Wand das eingangs wiedergegebene Zitat. Zwei interaktive Bildschirme bieten Videointerviews mit Überlebenden des KZ Buna/Monowitz, die um eine Website mit einführenden und vertiefenden Informationen ergänzt werden (www.wollheim-memorial.de/). Hinzu kommen Zeugnisse zur justiziellen Aufarbeitung des Holocaust und der Entschädigung von Zwangsarbeit sowie zu Formen des Gedenkens und der Zeitzeug*innenschaft.

Text: Christine Taxer, 2021

Mit dem Adorno-Denkmal zielt Vadim Zakharov auf ein bestimmtes Bild des Philisophen: Die Tradition des Moskauer Konzeptualismus aufgreifend, stellt er ihn durch die Dokumentation seiner Ideen dar. Entsprechend hat der Künstler bei der Einweihung 2003 den Schreibtisch und die auf ihm befindlichen Gegenstände als „den wahren Ausdruck der Persönlichkeit Adornos“ bezeichnet.
Gezeigt ist ein Arbeitsplatz mit Schreibtisch und Stuhl. Auf dem Schreibtisch liegt eine Ausgabe von Adornos Werk Negative Dialektik (1966), die das philosophische Werk repräsentiert – dass es zumeist des Nachts entstanden ist, verrät die Schreibtischlampe. Notenblätter und das schlagende Metronom greifen Adornos musiktheoretische und kompositorische Tätigkeiten auf.
Der umfangende Glaskubus wird von schwarzen und weißen, wie ein Labyrinth verlegten Platten gerahmt, in die Zitate aus den Werken Minima Moralia (1951) und Ästhetische Theorie (1970) eingraviert sind. Auf diese Weise erhalten die Betrachter*innen einen Einblick in Adornos Denken und werden zur Auseinandersetzung mit seiner Philosophie angeregt. Typische Würdeformeln wie Porträt, Sockel oder Geburts- und Todesdatum fehlen ebenso wie eine einleitende Erklärung zu den Zitaten.
Ursprünglich wurde das Denkmal in Bockenheim errichtet, jedoch transferiert, als der zentrale Platz auf dem Campus Westend in Theodor-W.-Adorno-Platz umbenannt wurde. Hier erinnert es auch an Adorno als Professor der Goethe-Universität und Direktor des Frankfurter Instituts für Sozialforschung (stellv. Direktor ab 1951, offizielle Leitung ab 1958). Von diesem Institut strahlte die Frankfurter Schule aus, die die hier begründete Kritische Theorie (anknüpfend an den Aufsatz Traditionelle und kritische Theorie von Max Horkheimer, 1937) vertrat.

Text: Christine Taxer, 2021

Schon aus der Entfernung berührt der Frankfurter Engel mit seiner Anmut und seiner Zerbrechlichkeit. Nicht nur, weil das himmlische Wesen einen Fremdkörper inmitten der Stadt bildet. Auch weist die Figur tatsächlich Verletzungen auf: Ihre Flügel sind gestutzt, und ihr Kopf ist verdreht. Das ist gewollt. Die Vorlage, ein Engel vom Kölner Dom, wurde in Wachs reproduziert; und dieser Wachsfigur schlug die Künstlerin den Kopf ab und setzte ihn leicht verschoben wieder auf, bevor die Skulptur in Bronze gegossen wurde. So wird das Leid der Homosexuellen im Nationalsozialismus anschaulich.
Doch ihr Anliegen geht weiter. Denn Homosexualität war auch im Nachkriegsdeutschland kriminalisiert, sodass die Betroffenen lange Zeit nicht als Opfer des Nationalsozialismus anerkannt wurden. Der Paragraf 175, dessen Verschärfung 1935 den Beginn der systematischen Verfolgung markiert, entfiel erst 1994. Entsprechend lautet der Text am Sockel: „Homosexuelle Männer und Frauen wurden im Nationalsozialismus verfolgt und ermordet. Die Verbrechen wurden verleugnet, die Getöteten verschwiegen, die Überlebenden verachtet und verurteilt. Daran erinnern wir in dem Bewusstsein, dass Männer die Männer lieben und Frauen die Frauen lieben immer wieder verfolgt werden können.“
Das 1994 aufgestellte Denkmal ging aus einem Wettbewerb hervor, den die Initiative Mahnmal Homosexuellenverfolgung e.V. mit Unterstützung der Stadt Frankfurt organisierte. Die seit 1989 aktive Bürgerinitiative tritt mit den Anliegen an die Öffentlichkeit, die lokale Geschichte der Verfolgung von Homosexuellen zu erforschen, einen Gedenkort zu schaffen und die „Gegenwart homosexuellen Lebens in dieser Stadt in das Bewußtsein ihrer Bürger zu rücken als einen selbstverständlichen und unverzichtbaren Bestandteil städtischer Kultur“. Entsprechend umfasste der Wettbewerb die Gestaltung auch des nach Klaus Mann benannten Platzes, der im Zentrum der homosexuellen Kultur und Subkultur wie auch nahe des Gerichts liegt.

Text: Christine Taxer, 2021

Das Ensemble aus einem Stein und zwei Bronzetafeln erinnert an den hessischen Generalstaatsanwalt Fritz Bauer (1903–1968), der zur juristischen und gesellschaftlichen Aufarbeitung des Holocaust in Deutschland entscheidend beitrug. So erreichte er die Rehabilitierung der am Hitler-Attentat vom 20.7.1944 Beteiligten, leitete die Festnahme Adolf Eichmanns ein und setzte durch, dass die Ermittlungen zum Gesamtkomplex Auschwitz zentral dem Landgericht Frankfurt übertragen wurden. Die ab 1963 stattfindenden Frankfurter Auschwitzprozesse richteten sich gegen Angehörige der SS-Wachmannschaften im Konzentrations- und Vernichtungslager Auschwitz, wo zwischen 1940 und 1945 über eine Million Menschen ermordet worden war.
Einige Polizisten salutierten, als die bei den Auschwitzprozessen Verurteilten den Gerichtssaal verließen. Diese Tatsache illustriert die öffentliche Meinung im Deutschland der 1960er Jahre: den historischen Kontext, in dem Fritz Bauer tätig war und aus dem auch seine eingangs wiedergegebene Äußerung stammt. Die Künstlerin Tamara Grcic hat dieses Zitat ihrem 2016 errichteten Fritz-Bauer-Denkmal zugrunde gelegt.
Hier ist ein unbehauener Stein in den Bürgersteig vor dem Oberlandesgericht eingelassen; ein Teil bleibt unter der Erde verborgen – sichtbar ist Nur die Spitze des Eisbergs, so der zweite Titel des Kunstwerks. Wie die nationalsozialistischen Täter*innen: Nur ein kleiner Teil von ihnen stand vor Gericht; und dies, obwohl die während der nationalsozialistischen Diktatur verübten Verbrechen nicht auf wenige Repräsentant*innen von Institutionen zurückgehen, vielmehr waren sie in der Gesellschaft verankert – sogar, zumindest auf gedanklicher Ebene, bis in die 1960er Jahre hinein. Diese Einsicht Bauers ist im heutigen Deutschland zur bestimmenden Sichtweise geworden und hat die gesellschaftliche Bewältigung von Nationalsozialismus und Holocaust geleitet. Wie diese Einsicht stellt sich heute der Stein den Passant*innen in den Weg und zwingt zum Innehalten und Hinterfragen.

Text: Christine Taxer, 2021

Über die Tunnelwände der U-Bahnstation Habsburgerallee erstreckt sich das Mosaik von Manfred Stumpf: 66 Esel, die auf beiden Tunnelseiten jeweils in Fahrtrichtung angebracht sind und hintereinander her wandern. Das Motiv des schreitenden Esels stammt aus der biblischen Szene mit dem Einzug Jesu in Jerusalem: Von der Tradition fixiert, zeigt sie Jesus, der auf einem Esel reitet und einen Palmwedel in der Hand hält. Für den Künstler ist dieses Bild zu einer „Ikone“ geworden, das er in seinem Werk immer wieder aufgreift. Auch der reitende Jesus der „Ikone“ kommt auf dem Frankfurter Mosaik vor, allerdings handelt es sich hier um nur eine Variante: Jeder Esel trägt etwas anderes auf seinem Rücken.
Wozu nun dieser Zugriff auf die christliche Kunst? Die tradierten Motive stellen dem Zeichner Manfred Stumpf eine Bildsprache zur Verfügung, die in ihrer Symbolhaftigkeit auf zentrale Aussagen beschränkt und als Bestandteil der Tradition für alle verständlich ist. Esel, das bedeutet Bescheidenheit, Genügsamkeit, Gewaltlosigkeit. Die Palme steht für Heiligkeit, Sieg, Leben. Der Reiter wiederum erinnert an die Ehrung des Messias an Palmsonntag, der nur wenige Tage später das von einer großen Menschenmenge skandierte „Kreuzige ihn“ folgte – pellt man das christliche Passionsgeschehen ab, kommt der Kern der Geschichte zum Vorschein: Übrig bleibt die Spannung von Triumph und Scheitern.
Diese Bildsprache also bringt Manfred Stumpf in eine Verbindung mit der heutigen Realität. Nicht nur wurden die Esel am Computer entworfen, darüber hinaus sind sie mit Gegenständen unserer Zeit beladen. Zu sehen sind beispielsweise eine Uhr, eine Zigarettenschachtel, ein Bildschirm, Kreditkarten, ein Atomkern, ein Blaulicht. Wohin führen uns die mit den „Errungenschaften unserer Zivilisation“ beladenen Esel?

Das Mosaik befindet sich etwas abseits der Tour. Um es anzusehen, einfach von „Konstablerwache“ mit einer U-Bahn der Linie 7 zwei Stationen bis „Habsburgerallee“ fahren!

Text: Christine Taxer, 2021

Die Gedenkstätte Börneplatz besteht aus zwei Elementen. Das erste ist die fast dreihundert Meter lange alte Mauer, die den jüdischen Friedhof umgibt und die die Gedenkstätte in einen Dialog mit dem öffentlichen Raum bringt. An ihr angebracht sind über 11.000 Blöcke, die die aus Frankfurt stammenden Opfer des Holocaust verzeichnen. Aus der Entfernung wirken sie wie ein „repetitives Muster“, so Nikolaus Hirsch, einer der Mitgestalter der Gedenkstätte, das an die industrielle Massentötung denken lasse. Erst beim Herantreten wird die Schrift sichtbar, aus etwa einem Meter Entfernung kann man schließlich die Namen lesen: „Hier findet der Übergang statt zu einer Individualisierung.“ Ein solcher „Wahrnehmungsprozess“ – „zwischen einerseits dem Industriellen, Bürokratischen und auf der anderen Seite den individuellen Schicksalen“ – war den Gestalter*innen ein zentrales Anliegen; sie sahen ihre Aufgabe darin, dafür ein gestalterisches Mittel zu finden.
Das zweite wesentliche Element ist der Kubus, der im Platanenhain steht und aus Fragmenten des  ehemaligen jüdischen Viertels besteht – für Nikolaus Hirsch auch ein „Kommentar dazu, was den Steinen an Gewalt angetan wurde“. Denn das über Jahrhunderte hier befindliche Zentrum des jüdischen Lebens in Frankfurt wurde im Nationalsozialismus zerstört: die Synagoge im Zuge der Novemberpogrome 1938; Teile des Friedhofs durch die nationalsozialistische Stadtverwaltung; die Wohnhäuser und das Hospital durch die Luftangriffe im Zweiten Weltkrieg; der Marktplatz überlebte als staubiges Brachland und wurde in den 1980ern als wilder Parkplatz benutzt.
Hier stehen fünf Namensschilder, die an die wechselvolle Namensgebung des Ortes erinnern: Judenmarkt (16. Jahrhundert bis 1885), Börneplatz (bis 1935), Dominikanerplatz (bis 1978), Börneplatz (bis 1987), Neuer Börneplatz (seit 16.6.1996). Damit kommt auch die langwierige Entstehungsgeschichte der Gedenkstätte Börneplatz in den Blick: der Börneplatz-Konflikt 1987, der Fragen zum Umgang mit Zeugnissen jüdischer Geschichte aufwarf und unter anderem mit der Planung einer Gedenkstätte geschlichtet wurde. Im anschließenden Wettbewerb erreichte der Entwurf von Andrea Wandel, Wolfgang Lorch und Nikolaus Hirsch den zweiten Platz; er wurde schließlich realisiert und 1996 eingeweiht.

Text: Christine Taxer, 2021

Die Fechenheimer Skulpturen sind aus einem von der Stadt Frankfurt ausgelobten Kunst-Wettbewerb hervorgegangen. Der Ausgangspunkt für den Entwurf ist der Gedanke, Kunst zu schaffen, die mit der Umgebung korrespondiert: die ihr etwas hinzufügt, aber den wenigen zur Verfügung stehenden Raum sorgsam verhandelt. „Mir war es deshalb ein besonderes Anliegen, eine ortsspezifische Arbeit zu entwickeln, die die räumlichen Besonderheiten berücksichtigt, aber gleichzeitig einen eigenständigen visuellen Kontrastpunkt setzt, der die etablierte Wahrnehmung des Ortes bricht und neue Referenzpunkte setzt“, so Silke Wagner.
Entlang des Fechenheimer Leinpfads stehen sechs Skulpturen, die nach dem Prinzip von Wetterfahnen konzipiert sind. Auf ihrer Motivsuche hat sich die Künstlerin mit der Geschichte der vom Leinpfad abgehenden Gassen befasst. Für die Skulptur im Mündungsbereich der Lappengasse greift Wagner auf das Postsymbol zurück, da sich hier früher das Postamt befand. Die Skulptur für die Plessengasse – benannt nach zwei Fechenheimer Bürgermeistern – zeigt zwei gespiegelte Fische. Damit verweist sie auf die lange Fischereitradition Fechenheims und den Fisch im Stadtwappen. Die Einfahrt zur Löhnunggasse befand sich früher zwischen dem Gasthaus Adler und der Metzgerei Hahn. Daher gingen der Hahn und der Adler als Motive in die entsprechende Skulptur ein. Die Leinwebergasse erinnert an die Lein- und Tuchweberei, die in Fechenheim für viele Jahrzehnte ein wichtiger Erwerbszweig war. Die Skulptur nimmt dies durch das abstrakte Webmotiv auf und verweist mit dem deutlich hervorgehobenen „L“ auf den Namen der Gasse. Der Anker wird zum Motiv in der Ankergasse. Der Wassertropfen steht für die Wasserquelle (Born), die der Gasse Am Mainbörnchen ihren Namen gab.
Die Motive der Wind-Skulpturen geben in ihrer abstrahierten Form Hinweis auf die Geschichte und den ehemaligen Bedeutungszusammenhang der Gassen, der in der heutigen Zeit in Vergessenheit geraten ist. Darüber hinaus allerdings sind sie – gerade durch die vorgenommene Variation und Reduzierung – eigenständige grafische Elemente, die sich durch eine hohe Wiedererkennung auszeichnen und eine visuelle Klammer zwischen den einzelnen Orten bilden.

Die Arbeiten liegen etwas abseits der Tour. Sie zu erreichen, ist zwar etwas langwierig, aber ganz simpel: einfach in eine Straßenbahn der Linien 11 oder 12 setzen und bis zur Endstation nach Fechenheim fahren!

Text: Christine Taxer, 2021

Hier, am Fuße des Doms, entfaltet Jan de Cocks Skulptur ihr volles Potential. Eine waghalsig komponierte Ansammlung von Elementen aus Sichtbeton, blauem Muschelkalk und Baukeramik, erinnert sie mehr an Bauschrott als an eine traditionelle Skulptur. Mit ihrer rohen Ästhetik widersetzt sie sich einerseits der künstlichen Perfektion der Neuen Altstadt. Andererseits fügt sie sich ein, indem sie auf Frankfurts jüngere und ältere Vergangenheit verweist: auf die Trümmer der kriegsversehrten Altstadt wie auch auf den Abriss des Technischen Rathauses, auf dessen Areal das neue, mittelalterliche Formen zitierende Viertel gebaut wurde. Auch die Farbigkeit von Monument Model ruft die Umgebung auf; denn das Rot zitiert den Main-Sandstein, der die Fassaden hiesiger Altbauten prägt wie auch etwa das Historische Museum und den Portikus.
Die Skulptur gehört zu einem Komplex von sechs Modellen für Monumente, die 2017 für PEACE, eine auf die Schirn zurückgehende Ausstellung im öffentlichen Raum, entstanden. Sie gelten den reichsten deutschen Unternehmern, hier den Deichmanns. Daher lautet der vollständige Titel der Arbeit A Model for a Monument for Mr. and Ms. Heinrich Deichmann.
Der Komplex steht im Zusammenhang der Werkreihe Everything For You EFY, mit der de Cock den von ihm konzipierten Skulpturenkommunismus umsetzt. Dazu gehören erstens die Skulpturen: Geometrisch-abstrakte Module aus billigen Baumaterialien wie Sperrholz, Terrakotta, Metall, Beton werden in verschiedene Städte weltweit transportiert und dort im öffentlichen Raum zu jeweils neuen Konstellationen montiert, meist unter Einbezug der vorgefundenen Umgebung. Hinzu kommt eine Zeitung, deren Ausgaben die jeweils neuen Objektfotografien sowie das vom Künstler verfasste Manifest for Sculpture Communism enthalten. Kern von de Cocks Kritik an Kunst- und Konsumwelt ist sein Konzept des Geschenks: Skulptur zielt bei ihm nicht auf eine unmittelbare marktfähige Absetzbarkeit; sie entfaltet sich stattdessen als Gabe, indem sie sich dem Publikum in den Weg stellt und Fragen evoziert und indem sie die Stadt verändert – letztlich eine Spende an die künstlerische Freiheit.

Text: Christine Taxer, 2021

Mit Einsetzen der Dämmerung wird die Installation sichtbar, die sich in der Ausstellungshalle Portikus auf der Maininsel, auf der der Innenstadt zugewandten Seite, befindet. Dann leuchtet ein Lichtbogen durch das verglaste Dach und wird im Main gespiegelt. Seine Wirkung ändert sich mit Tageszeit und Licht – auch durch das Fließen des Wassers, das die Reflexion immer in Bewegung hält.
Die Installation besteht aus einem hölzernen Halbbogen, auf dem Leuchtstoffröhren befestigt sind. Ihre Helligkeit und Farbigkeit können reguliert werden. Entsprechend wurden 2006–08 zwölf Variationen gezeigt, für die dauerhafte Präsentation hat das Museum für Moderne Kunst MMK die Version in einem dunklen Gelbton erworben. Die Installation als Ganzes erinnert an eine untergehende Sonne, die zu „einem künstlerischen Wahrzeichen Frankfurts geworden“ ist (so der frühere Kurator des Portikus Fabian Schöneich).
Light Lab (1/12) steht in einer Reihe von Arbeiten, mit denen sich der Künstler Olafur Eliasson der Sonne, dem Licht sowie Natur- und Wetterphänomenen widmet. Dabei kommen auch die Schattenseiten unserer Realität in den Blick, etwa die „Dritte Welt“, und Eliasson verweist auf die Möglichkeiten von Solarenergie und die Bedeutung des Lichts für Leben und die weltweiten Energieprobleme. In diesem Zusammenhang strahlt die Installation aus der Ausstellungshalle nach außen und lädt Passant*innen zum Verweilen ein; das allen bekannte Bild der untergehenden Sonne lässt innehalten und über die Grenzen der Kunst hinaus denken.

Text: Christine Taxer, 2021